BIOGRAFIA – it

Teofilo Chantre ne scrisse tre di loro, e da allora non ha più smesso di scrivere canzoni per lei, infatti il suo ultimo disco “Nha Sentimento” pubblicato in ottobre 2009 ne contiene sei firmate da lui.

Come autore, Teofilo è particolarmente richiesto da molti artisti Capoverdiani da Mayra Andrade a Mariana Ramos, a Lura e tanti altri Teofilo Chantre scrive anche per artisti di tutto il mondo, scrisse anche il testo per la “Ausencia”, una canzone composta dal celebre compositore Balcanico Goran Bregovic, che Evora ha cantato per la colonna sonora del celebre film di Emir Kusturica “Underground”, anche Ornella Vanoni ha tradotto e pubblicato un suo brano “buona vita” sul suo album “Una bellissima ragazza”…

Chantre è il campione di un particolare tipo di suono Capoverdiano, dolce, sentimentale, sospeso tra la cadenza di velluto della bossa nova brasiliana e il il ritmo della charanga cubana e generosamente impregnato dell’intensa saudade, “emozione della vita” che caratterizza la maggior parte dei suoni che provengono dalle isole.

I suoi album pubblicati dall’etichetta Lusafrica lo hanno portato oltre i confini di Capo Verde, in paesi come la Francia, l’Olanda, il Portogallo e gli Stati Uniti. Il suo ultimo CD ‘Viaja’ è un vero tesoro musicale, dove si ritrova la sua linea personale di chitarra, violino, pianoforte e cavaquinho, un mandolino di piccole dimensioni tipica di Capo VerdeDare una definizione della musica di Teofilo Chantre non è facile, si può parlare di uno stile “Teofilo Chantre” ma si deve ascoltare solamente…

BIOGRAPHIE – fr

Adapte les paroles du morceau de Salif Keita Yamore, compose et écrit aussi les parole set la musique du morceau interprété en duo de Bernard LaVilliers et Césaria Evora.

Entre rythmes traditionnels capverdiens, jazz et bossa nova, Teofilo Chantre enrichit son répertoire et développe son style vocal et musical. Aujourd’hui paraît son sixième album, “Viaja”, dans la continuité de ces disques précédents.

Poète engage ou romantique, Teofilo Chantre célèbre la “sodade”, (inguérissable nostalgie du pays natal), les souvenirs collectifs de lutte contre la dureté de la vie, l’enfance, la jeunesse, les amours heureuses ou contrariées.

Mélodiste inspiré, fidèle à l’instrumentation (guitare, cavaquinho, violon, piano) et aux formes traditionnelles de la morna et de la coladera, chansons à pleurer ou à danser des îles du Cap Vert, amoureux des musiques cubaines et brésiliennes, Teofilo se révèle arrangeur habile, entre musique de chambre et jazz créole. Grâce aux innombrables concerts qui ont suivi la sortie de ses disques précédents, il a renforcé et assoupli son timbre vocal au charme voilé-fumé…

Proche des chanteurs brésiliens de bossa nova pour le velours de la voix et le “swing cool” de la guitare, empruntant les cordes de la moelleuse charanga cubaine, Teofilo excelle dans le registre doux-amer, tendre et sophistiqué qu’affectionne Cesaria. Certaines chansons (Cruz de Jom d’Ebra, Ponta Linda) paraissent avoir été cisellées à son intention, dans le style du grand compositeur B. Leza…

Il suffit d’écouter son sublime duo Segunda Geração avec sa compatriote Mayra Andrade, elle aussi amoureuse de la mélodie brésilienne. D’autres chansons, la tendre et désabusée Chelicha (caprice), la fraternelle Appel pa tude Naçon (appel à toutes les nations), le regret Tchoro di Guiné (la complainte de la Guinée), le départ et la méditation avec Bô Viaja (bon voyage) ou l’amour déçu de Dérobade sont co-signés avec Vitorino Chantre, le père de Teofilo parolier dès les années 50, co-auteur avec l’un des plus grands auteurs de morna, Amando Cabral, avant d’abandonner la chanson.

Teofilo Chantre élève au rang de standards des compositions qui ont les qualités des classiques du répertoire capverdien.

BIOGRAPHY – en

Teofilo Chantre wrote three of them. Soon afterwards he penned the lyrics for the “Ausencia”, a song written by star Balkan composer Goran Bregovic, which Evora sang for the soundtrack of Emir Kusturica’s acclaimed epic “Underground”.

Chantre is the champion of a particular kind of Cap Verdian sound; gentle, soulful, hovering between the velvet lilt of Brazilian bossa nova and the down-home jaunt of Cuban charanga and liberally doused in the deep blue vapour of saudade, that unquantifiable, world weary and yet life affirming emotion that permeates most of the sounds that come from the islands.

His three albums for the prolific lusophone label Lusafrica have turned him into a star, whose attraction is felt way beyond the confines of the various ex-pat Cap Verdian communities in countries like Holland, Portugal and the USA. On his latest CD ‘Rodatempo’ he performs the slow mornas and slightly faster coladeros that form the main part of Cap Verde’s super-rich musical treasury, using his favourite line-up of guitar, violin, piano and cavaquinho, a small mandolin like Cap Verdian guitar, and records with musicians who have been at the vanguard of the Cap Verde revival, guitarist Bau, bass player José Paris and composer Amandio Cabral, as well as his own father, Vitorino Chantre.

Some have called Teofilo Chantre’s music sophisticated but it’s nothing more than soulful and beautiful…

DISCOGRAPHY

« DI ALMA » – CD Lusafrica 262382 (dist. en France: BMG)

« RODATEMPO » – CD Lusafrica 362182 (dist. en France: BMG)

« LIVE » – CD Lusafrica 362632 (dist. en France: BMG)

« AZULANDO » – CD Lusafrica 362882 (dist. en France: BMG)

« VIAJAR » Dist. en France: BMG)

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Scheda Tecnica 2

BIOGRAFIA – it

Ogni Magrebino ha sentito più di una volta, lo swing ossessivo di questo esorcismo musulmano scandito dal gumbri, un basso arcaico a tre corde fatto tradizionalmente di budella, e dei qraqeb, qarqabou, grandi nacchere di metallo, che animano tutte la lila, notte di incontro fatte per liberare gli uomini e le donne dai loro tormenti, cacciare gli djinns (spiriti maligni) che li straziano, e allearsi ai mlouk, gli spiriti che li posseggono.

Hasna El Bécharia, lei, è rimasta posseduta da questa musica estatica che compone sul suo gumbri, la sua chitarra acustica o elettrica – il rock è passato dall’Algeria già dalla fine degli anni ’50. Si dice che Hasna ha preso la chitarra elettrica per soppraffare il suono del pubblico che cantava le sue canzoni. Hasna ha anche esteso il suo repertorio a registri più profani, popolari dove la devozione non è mai molto lontana come lo si vede dal questo suo nuovo album impregnato di culto e del dono di se.

Hasna si abbandona completamente alla spiritualità, un fervore compiuto in un linguaggio contemporaneo. Approfondisce il suo percorso, iniziato nel 2002 con il suo primo disco, Djazaïr johara (Algeria pietra preziosa). Realizzato per i suoi cinquantanni a Parigi e apprezzato da critica e pubblico che la scopriva appena arrivata dall’Algeria nel 1999 nell’ambito del festival Femmes d’Algérie organizzato al Cabaret Sauvage, nota sala parigina, che ha visto anche la rivelazione dell’Algerina Souad Massi. Hasna lascia quindi definitivamente un paese natale oscurato dalla guerra bestiale e confusa tra gli islamisti armati e l’esercito dei generali che hanno confiscato le ricchezze di una terra promettente appena liberata dal colonialesimo francese nel 1962.

Hasna El Bécharia, come lo indica il suo nome in arte, è nata a Bechar (anticamente Colomb-Bechar), metropoli strategica del Sahara algerino, trasformata in città militare francese dai primi tempi della colonizzazione, a un attimo dalla frontiera marocchina, crocevia tra le due Afriche, a un migliaio di chilometri dal Mediterraneo. E’ lì che cresce Hasna e non come le altre donne. E’ pazza di musica e ama i poveri, gli esclusi. Accoglie le mogli ripudiate con i loro figli, buttati per strada dai loro mariti in cerca di una nuova vita e sostenuti dal « codice della famiglia » ignobile. Hasna, lei, si sente libera, esce la sera, frequenta i marginali, in una città di provincia preclusa da tradizioni asfissianti, schiacciata dai pettegolezzi.

El Becharia non non ci fa caso e vive la sua vita di donna senza impedimenti, praticando la sua musica seguendo la sua voglia, andando per la sua via come lo vuole. Già dal 1972, le altre donne la chiamano per animare i fidanzamenti e le feste di matrimoni dei loro figli, ammiratrici silenziose e segretamente invidiose di questa vita coraggiosa, senza concessioni. E’ accompagnata da tre amiche al canto e alle percussioni. Le sue parole soffiano la sabbia sul rigore ipocrita, la sua musica inverte i rigori della tradizione. Una donna che suona la chitarra elettrica è cosa rara nel Maghreb, quasi perturbatrice. Una singolarità che Hasna el Becharia sottolinea con il rifiuto di sottomettersi al conservatismo degli uomini affermando però sempre il suo misticismo, le sue invocazioni ai walis, ai marabouts, santi dell’Islam popolare implorati sopprattutto dalle donne per alleggerire la propria quotidianità. In tutto il suo nuovo disco Hasna chiede la grazia di questi sidi, questi Signori dai nomi evocatori El Bachir, Ben Bouziane, Abdel Rahman, Abdallah, Abdallah Ben Aïssa (Gesù), Moussa (Moïse), Moulay Ibrahim (Abraham), senza dimenticare Bilal, l’Abissino, schiavo liberato dal Profeta, primo muezzin dell’islam e santo patrono di tutti gli gnawa.

Hasna canta con voce serena, grave quasi maschile questo disco nel quale la cadenza gnawi mantiene il suo potere anche quando si coniuga a due chaâbi (popolari).Due generi che appartengono ai paesi che fanno la cultura della regione di Bechar : l’Algeria e il Marocco.

Undici brani sottolineati dal suono cristallino della chitarra, dal pianto di un violino, composizioni moderne che valorizzano, attualizzano quest’arte ancestrale. La transe di Hasna unisce anche in uno stesso lancio due passioni : l’amore divino e l’amore terrestre, poiché presso i Sufi l’adulazione degli esseri è anche l’amore per chi li ha creati.
Già dal primo brano di questo disco, Hasna el Becharia canta « Ascolta, ascolta/ c’è molto da sentire ».

Bisogna seguire questo suo providenziale invito.

BIOGRAPHIE – fr

Tout Maghrébin a entendu plus d’une fois, le swing entêtant de ce vaudou musulman scandé par le guembri, une basse archaïque à trois cordes en boyau traditionnellement, et les qraqeb, qarqabou, crotales, grandes castagnettes en métal, animant toute une lila, nuit, pour délivrer les hommes et les femmes de leurs tourments, chasser les djinns qui les déchirent, s’allier les mlouk, les esprits qui les possèdent.

Hasna El Bécharia, elle, est restée possédée par cette musique extatique qu’elle compose sur un guembri, une guitare acoustique ou électrique – le rock est aussi passé en Algérie dès la fin des années 50. On dit que Hasna a adopté la guitare électrique pour mieux se faire entendre pendant les concerts où le public couvrait sa voix en reprenant ses chansons. Elle a aussi étalé son registre à des genres plus profanes, populaires où la dévotion n’est jamais loin, à l’exemple de cet album imprégné par le culte et le don de soi.

Hasna se donne entièrement à la spiritualité, une ferveur accomplie dans un langage contemporain. Elle approfondit son style, entamé dès 2002 avec son premier disque, DjazaïrJohara (Algérie pierre précieuse), réalisé à sa cinquantaine à Paris et bien accueilli, après s’être installée en France en venant d’Algérie en janvier 1999 dans le cadre du festival Femmes d’Algérie au Cabaret Sauvage, révélateur aussi de la jeune Algéroise Souad Massi. Hasna quitte ainsi définitivement un pays natal obscurci par la guerre bestiale et confuse entre les islamistes armés et l’armée des généraux qui ont confisqué les richesses d’une terre prometteuse à peine libérée du colonialisme français en 1962.

Hasna El Bécharia, comme son pseudo l’indique, est née à Béchar (anciennement Colomb-Béchar), métropole stratégique du Sahara algérien, ville de garnison dès l’occupation française, à un appel de muezzin de la frontière marocaine, carrefour entre les deux Afrique, à un millier de kilomètres de la Méditerranée.

Hasna n’y grandit pas comme les autres femmes. Elle est folle de musique et aime les pauvres, les exclus. Elle accueille les épouses jetées avec leurs enfants dans la rue par des maris en quête de nouvelle vie et confortés par un « code de la famille » ignominieux. Hasna, elle, se sent libre, sort le soir, fréquente les marginaux, dans une ville de province percluse de traditions étouffantes, écrasée par le qu’en-dira-t-on. El Bécharia n’en n’a cure et vit sa vie de femme sans entrave, pratiquant sa musique selon son envie, menant son train de vie comme elle l’entend. Dès 1972, les autres femmes lui font appel pour animer les fiançailles et les fêtes de mariages de leur progéniture, admiratrices muettes et secrètement envieuses de cette vie courageuse, sans concessions.

Elle est accompagnée par trois copines aux chants et percussions. Ses paroles soufflent le sable sur le rigorisme hypocrite, sa musique renverse les rigueurs de la tradition. Déjà qu’une femme jouant de la guitare électrique constitue au Maghreb chose rarissime, presque perturbante. Une singularité que Hasna El Bécharia double par son insoumission au conservatisme des hommes tout en assénant son mysticisme, son invocation des walis, marabouts, saints de l’islam populaire implorés surtout par les femmes pour alléger leur quotidien. Tout au long de ce nouveau disque, Hasna prie la grâce de ces sidi, monseigneurs, aux noms évocateurs, El Bachir, Ben Bouziane, Abdel Rahman, Abdallah, Abdallah Ben Aïssa (Jésus), Moussa (Moïse), Moulay Ibrahim (Abraham), sans oublier Bilal, l’Abyssin, esclave affranchi par le Prophète, premier muezzin de l’islam et saint patron de tous les gnawa.

Hasna chante d’une voix paisible, grave, presque mâle cet album où le rythme gnawi reste puissant et fusionne avec les deux styles chaâbis (populaires). Deux genres des pays qui font la culture de la région de Béchar, Algérie et Maroc. Une douzaine de chansons ponctuées souvent par une guitare cristalline, un violon gémissant, une composition moderniste qui valorise et actualise un art ancestral. La transe de Hasna mêle aussi dans un même élan deux passions, l’ardeur divine et l’amour terrestre puisque, chez les soufis, l’adulation des êtres est aussi adoration de leur Créateur.

Dès l’entame de cet album, Hasna El Bécharia chante « Ecoute, écoute / Il y a de quoi entendre ». Il faut écouter sa providentielle invitation.

BIOGRAPHY – en

Her choice has exposed her to a great deal of rejection and sarcasm, but Hasna’s mind and soul are irrevocably bound up with the mystic trance music learnt from her father, a pious man who was himself a maâllem or master of gnawi (the plural of gnawa) syncretism, a black Sufism forged by the descendants of sub-Saharan slaves in White Africa, also called diwan in East Algeria and stambali in Tunisia. Every inhabitant of the Maghreb is familiar with the captivating rhythm of this Muslim Voodoo played on the guembri (an ancient bass instrument with three strings traditionally made of gut) and the qraqeb, qarqabou and crotala (large metal castanets) enlivening a long lila (night), releasing men and women from their troubles, driving out the djinns that torment them and enabling them to join with mlouks, spirits that possess them.

Hasna El Bécharia was possessed by the ecstatic music itself, beginning to write songs on a guembri and acoustic or electric guitar (rock also came to Algeria at the end of the 50s). She is said to have taken up the electric guitar to make herself heard during concerts where the audience drowned out her voice when they joined in her songs. She has since extended her repertoire to more profane, popular genres – although piety is always just around the corner, as shown on this album steeped in religion and self-sacrifice.

Hasna devotes herself wholly to spirituality with a fervour she expresses in contemporary language. She has developed her style, introduced in 2002 on her acclaimed first record, Djazaïr Johara (Algeria the Jewel), made in Paris when she was about fifty, after she settled in France after arriving from Algeria in January 1999 for the Women of Algeria festival at the Cabaret Sauvage, where the public also discovered a young female artist from Algiers named Souad Massi. When Hasna left her native land for good, it lay in the shadow of an inhuman, chaotic war between armed Islamic fundamentalists and an army commanded by generals who had seized the riches of a promising nation barely liberated from French colonialism in 1962.

As her stage name would suggest, Hasna El Bécharia was born in Béchar (formerly Colomb-Béchar), a strategic metropolis on the Algerian Sahara. Béchar was a garrison city during the French occupation and is just a muezzin’s call from the Moroccan border, a crossroad between two Africas standing a thousand kilometres from the Mediterranean.

Hasna did not grow up like other girls in the city. She had a passion for music and loved the poor and social outcasts. She took in wives who had been thrown out with their children by husbands in search of a new life, encouraged by the disgraceful “family code” law. With a great sense of freedom, Hasna left her home in the evening, frequenting the unfrequentable in a provincial town paralysed by stifling tradition and crushed by the fear of what other people would think. El Bécharia cared nothing for this and remained a free, unrepressed woman, playing her music as she wished and living the life she chose. By 1972, other women were asking her to sing at their children’s engagement celebrations and weddings, admiring her courageous, uncompromising existence in silence and with secret envy. Hasna was accompanied by three woman friends on backing vocals and percussion.

Her lyrics buried hypocritical rigorism in a blast of sand; her music was an assault on the austerity of tradition. A woman playing electric guitar in the Maghreb was already an extreme rarity – almost an alarming phenomenon. Not content with this, Hasna El Bécharia consistently refused to bow to male conservatism, while singing of her mysticism and invoking the walis, marabouts and holy figures of popular Islam that women especially implored to lighten the burden of their daily lives. All through this new record, Hasna prays for the grace of these sidi or lords with their evocative names: El Bachir, Ben Bouziane, Abdel Rahman, Abdallah, Abdallah Ben Aïssa (Jesus), Moussa (Moses) and Moulay Ibrahim (Abraham), not to mention Bilal the Abyssinian, a slave freed by the Prophet who became the first muezzin of Islam and the patron of all gnawa.

Hasna sings in a calm, deep, almost male voice on this album, whose still powerful gnawi rhythms merge with the two popular chaâbi styles – genres from the countries that shape the culture of the Béchar region: Algeria and Morocco. Its dozen songs are often punctuated by crystalline guitar, sighing violins and a modernist style of composition that enhances and updates an ancestral art. With the same impetus, Hasna’s trance also combines two passions: divine zeal and earthly love, for the Sufis see the idealisation of human beings as part of their worship of their creator.

As the album opens, Hasna El Bécharia sings, “Listen, listen / There’s something worth hearing”. We should heed this providential invitation.

DISCOGRAPHY

« DJAZAIR JOHARA » – CD LABEL BLEU

« SMAA SMAA » – CD Lusafrica (dist. en France: BMG)

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Fiche technique Lumiäre Hasna

Fiche Technique Son

BIOGRAFIA – it

La sua voce è riconosciuta come una delle più belle della world music. Uno stile che miscela alle sonorità propriamente senegalesi del , ritmi blues, jazz, reggae e salsa, fanno di lui un artista di successo, entrato ormai a far parte dei Grandi del Senegal in particolare e dell’Africa in generale. Youssou N’Dour, il suo grande “rivale” dice di lui che è la “leggenda vivente della musica africana”.

La musica di Omar Pène che sia lenta o brutale, resta ancorata all’espressività popolare della strada. Si è sempre schierato dalla parte dei giovani, originari delle grandi periferie o dei quartieri poveri, studenti, disoccupati e contadini del suo paese. Egli infatti personifica per loro la speranza, il futuro rimanendo sempre vicino al suo pubblico.

Egli ha infatti un vastissimo bacino di fans che sono legati a questo cantante di generazione in generazione. I suoi concerti e le sue apparizioni attirano un numerosissimo pubblico che spazia dai 15 ai 60 anni.
Difficile quindi di sviluppare una carriera più “commerciale” di così, soprattutto a livello internazionale poiché Omar rimane sul terreno mentre altri soìi spostano sui cinque continenti per svluppare i loro affari.

Sono i suoi fans a dare la risposta concreta al suo impegno socio-politico organizzati dal 1989 nell’Afsud (Amicale des Fans du Super Diamono).

Dal 2001 Omar sceglie di spingere la sua carriera a livello internazionale. Senza mai rinnegare i propri valori musicali che l’hanno portato in auge, intraprende un lavoro di arrangiamenti della sua musica per renderla più accessibile ad un pubblico occidentale, non abbandonando per questo la sua produzione africana.

Registra quindi:
“Myaba” nel 2005 il suo primo album acustico dove la voce di Omar e le sue Melodie sono valorizzate, un primo passo verso l’Occidente e i suoi festivals di World Music.

E’ così che Omar continua a coltivare la sua doppia personalità musicale il m’balaax in Africa e la formula acustica in Occidente.Da questo disco tutto si accellera sia in Europa che in Africa, infatti “Myamba” ottiene successo anche a Dakar. A Parigi Thierry Garcia gli propone di arrangiare il suo futuro disco. Da questa preziosa collaborazione nasce a settembre 2009 quel che viene considerato l’album dell’anno “N’dam”. All’atmosfera acustica del Cd precedente si aggiunge la magia di Thierry Garcia.

A volte lontanissimo da quel che ci si aspetterebbe da Omar Pène, anche se il groove è preservato spesso il suono è totalmente differente al pnto che spesso si ascolta una fisarmonica che risponde alla sua voce. Bisogna ascoltare questo disco per capire a che punto è possibile rispettare le radici portando tuttavia la musica verso altri orizzonti mozzafiato!

BIOGRAPHIE – fr

Sa voix est reconnue comme l’une des plus belles de la world music. Son style mélangeant aux sonorités sénégalaises du M’balaax, des rythmes de blues, de jazz, de reggae et de salsa, font de lui un artiste de succès, désormais entré dans la légende des grands du Sénégal et de l’Afrique en général. Youssou N’Dour, son grand « rival », dit de lui qu’il est « la légende vivante de la musique africaine».

La musique d’Omar peut être brute ou douce, mais elle reste ancrée dans l’expression populaire de la rue. Il s’est en effet toujours placé du côté des jeunes, originaires des grandes banlieues ou des quartiers pauvres, des étudiants, des chômeurs et des paysans. Encore aujourd’hui, il incarne l’espoir, l’avenir en cultivant la proximité avec son public.

Avec pour conséquence un public de fans qui s’attache au chanteur de générations en générations. Ses concerts et ses apparitions attirent des 15 à 60 ans, et des étudiants aux chômeurs en passant par des actifs de 40 ans.

Difficile, dans ses conditions, de développer une carrière plus « commerciale » surtout à l’international, tant Omar reste sur le terrain quand d’autres visitent les cinq continents ou gère leurs affaires. Ce sont ses fans qui lui répondent le mieux. Organisés depuis 1989, ils oeuvrent à travers l’Afsud (l’Amical des Fans du Super Diamono),en faveur de l’amélioration des conditions de vie de leurs concitoyens.

Depuis 2001, Omar a décidé de promouvoir sa musique et ses idées à l’international. Sans renier ses valeurs musicales qui ont fait sa renommée, il entreprend un travail d’arrangements de sa musique pour la rendre plus accessible à un public occidental. Tout en continuant ses productions pour le continent africain, il enregistre « Myamba » en 2005, son premier album en acoustique. La voix d’Omar et ses mélodies s’en trouvent mises en valeur. Cela constituera un premier pas vers l’occident et ses festivals de musiques du monde.

Omar cultivera alors sa double personnalité musicale faisant sonner son m’balaax en Afrique et sa formule acoustique hors du continent.

Tout va s’accélérer, et même à Dakar, « Myamba » obtient un fort succès. A Paris, Thierry Garcia se propose d’arranger son futur album. De cette collaboration, naîtra en septembre 2009 ce qui pourrait être l’album world de l’année, « N’dam ». A l’acoustique du cd précédent est venu s’ajouter la magie des sons que Thierry Garcia a su créer. Et parfois à 10.000 lieux de ce que l’on attendrait d’Omar Pene. Si le groove est préservé, le son est totalement différent au point même d’entendre à plusieurs occasions un accordéon répondre à la voix d’Omar. Il faut l’entendre pour comprendre comment il est possible d’être respectueux des racines tout en amenant lamusique dans des voyages sidérants.

BIOGRAPHY – en

For already 25 years, Omar Pene and Super Diamono has often been opposed to Youssou N’Dour’s Super Star. Even if they have an equivalent notoriety in Senegal and West Africa, their story and their public are rather different. The m’balaax of the
Super Diamono was always located by the sides of the high-school pupils, of the students and more particularly of the young people, from the large suburbs.

Super Diamono was born in 1975 from a fusion between Kadd and the Tropical Jazz. Two years later, it associates local sonorities with blues and jazz. He is the first one to introduce the sabars (percussions) into the senegalese music. Then, the group creates little by little its own style: “the afro feeling”. Famous Senegalese musicians then formed part of Super Diamono, as Ismaël Lô, who will leave the group in 89 to make a solo career.

From now, Omar PENE militates for the creation of a trade union of the musicians and a better recognition of the profession in Senegal. In parallel, he decides to come back on the international scene. A first album “25 years” recorded in may 2001, then an acoustic second one at spring 2003. With his last album “25 ans”, the international press unanimously greeted the return of the afro-feeling of Super Diamono of Dakar and the single voice of its leader, Omar Pene.

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Fiche Technique OmarPene

Dossier de presse

Omar PENE presse

BIOGRAFIA – it

Ambasciatrice della tradizione Gharnati nel mondo, non ha mai smesso di approfondire la sua arte, una ricerca musicologica volta alla padronanza del canto insieme ad una volontà creativa e innovativa.

Amina Alaoui nata a Fez, in Marocco, in una famiglia aristocratica profondamente attaccata alle tradizioni marocchine, colte e popolari, ma comunque aperta al mondo intellettuale e artistico contemporaneo.

Da bambina riceve un insegnamento famigliare del canto arabo-andaluso, della musica classica occidentale attraverso lo studio del pianoforte e del solfeggio prima dal Maestro direttore d’orchestra Mohamed Abou Drar, poi dai Maestri del conservatorio di Rabat Ahmed Aydoun e M. Ouassini. Studia in parallelo le danze orientali e la danza classica con Vera Likatchova.

Le sue prime poesie, Amina, le scrive all’età di dieci anni.

Dopo la maturità presa al Liceo francese Descartes di Rabat e il Diploma di « Cultura española » dell’Università Complutense di Madrid. Si consacra alla filologia e alla linguistica (spagnola e araba) all’Università di Granada. In questa città sviluppa un lavoro di ricerca sui canti orientali e arabo-andalusi e sul periodo d’oro della poesia andalusa. In Marocco perfeziona la sua arte pridiletta, il canto Gharnati, stile arabo andaluso di Granada presso il Maestro Hahmed Piro. A Parigi, dove si trasferisce dal 1986, lavora il canto medievale con Henri Agnel e il canto persiano classico con Djallal. Vincitrice della borsa di studio di “Villa Medici Fuori le Mura” nel 2000, per una ricerca musicologica volta a mettere in relazione musicale e storica il flamenco, il fado e la musica arabo-andalusa, percorre la penisola Iberica per due anni e si trasferisce di nuovo a Granada. Crea nel 2002 Passion Iberica, frutto della sua ricerca, presentata in prima mondiale al Festival dell’Alhambra a Granada dove unisce per la prima volta in scena l’oud, la chitarra flamenca e la chitarra portoghese.

Il suo percorso è costellato da passerelle musicali e di incontri notevoli. Ha condiviso il palcoscenico con: Maria Joào Pires, Jon Hassel, Djamchid Chemirani, Naseer Shamma, Saïd Chraïbi, Renaud Garcia Fons, Pedro Soler… con gli autori e compositori come: Jon Balke, Lluis LLach, Angélique Iona¬tos, Loudovikos… con le cantanti: Nena Venetsanou, Soeur Marie Keyrouz, Inès Bacan, Esperanza Fernandez, Marina Heredia. E’ stata accompagnata da: l’Orchestres arabo-andalou di Fez (dir. Mohamed Briouel), di Rabat (dir.Ahmed Piro) e di Tétouan (dir. Amine Akrami), la Filarmonica di Londra (dir.Serge Dorny), l’Orchestra Filarmonica Europea (dir.Hugues Reiner), l’Orchestra sinfonica di Cordoba,The Nieuw Ensemble of Amsterdam e il Baroque Fever Ensemble.

Amina Alaoui ha ottenuto numerosi premi tra i quali:
- Prix d’Interprétation du festival de musique Arabo-andalouse d’Oran nel 1989- Algeria.
- Prix d’Excellence au Festival Gharnati d’Oujda nel 1992- Marocco.
- Prix d’Honneur du Festival de Musique Classique Arabe de l’Opéra du Caire- Egitto1993.
- Nominata al Trophée de la Musique du Continent Africain «Kora 1999».

BIOGRAPHIE – fr

Ambassadrice de cette tradition à travers le monde, elle n’a de cesse d’approfondir son art, une recherche musicologique dans un souci de maîtrise de son art, jumelé à une volonté créative et rénovatrice.

Amina Alaoui née à Fès, au Maroc, dans une famille aristocratique profondément attachées aux tra¬ditions marocaines, savantes et populaires et ouverte au monde intellectuel et artistique contemporain. Enfant, elle reçoit l’enseignement familial du chant arabo-andalou, ceux de la musique classique europeénne en étant foemée au piano et au solfège d’abord auprès du Chef d’orchestre Mohamed Abou Drar puis au Conservatoire de Rabat auprès des professeurs Ahmed Aydoun et M. Ouassini. Elle travaille les danses orientales, la danse contemporaine avec Marie-Odile Loakira et la danse classique avec Vera Likatchova. Ses premiers poèmes sont publiés à l’âge de dix ans.

Après son Baccalauréat français au Lycée Descartes de Rabat et son Diplôme « Cultura española » de l’Université Complutense de Madrid. Elle se consacre à la philologie et à la linguistique (espagnole et arabe) à la Faculté de Grenade. Dans cette ville, elle développe un travail de recherche sur les chants orientaux et arabo-andalous et sur l’âge d’or de la poésie andalouse. Au Maroc, elle perfec¬tionne, son art de prédilection, le chant Gharnati, style Arabo-Andalou de Grenade, auprès du Maître Hahmed Piro. A Paris, elle travaille le chant médiéval avec Henri Agnel et le chant classique persan avec Djallal AElle s’installe à Paris, en 1986, où elle travaille le chant médiéval avec Henri Agnel et le chant classique persan avec Djallal Akhbari. Lauréate de la Bourse de recherche «Villa Médicis Hors les Murs», en 2000, pour une investigation musicologique basée sur les parentés musicales et historiques entre le Flamenco, le Fado et la musique Arabo-andalouse, elle parcours la Péninsule Ibérique durant deux ans, puis s’installe à Grenade. Elle crée, en juin 2002, Passion Ibérique, fruit de sa recherche, présentée en première mondiale au Festival de l’Alhambra de Grenade où elle réunit sur scène et pour la première fois, le oud, la guitare flamenca et la guitare portugaise.

Sa trajectoire est jalonnée de ponts musicaux et de rencontres notables. Elle a partagé la scène avec : Maria Joào Pires, Jon Hassel, Djamchid Chemirani, Naseer Shamma, Saïd Chraïbi, Renaud Garcia Fons, Pedro Soler…Des auteurs et des compositeurs: Jon Balke, Lluis LLach, Angélique Iona¬tos, Loudovikos…Des chanteuses: Nena Venetsanou, Soeur Marie Keyrouz, Inès Bacan, Esperanza Fernandez, Marina Heredia… Elle a été accompagnée par, les Orchestres arabo-andalou de Fès (dir. Mohamed Briouel), de Rabat (dir.Ahmed Piro) et de Tétouan (dir. Amine Akrami), le Philharmonique de Londres (dir.Serge Dorny), l’Orchestre Philharmonique Europea (dir.Hugues Reiner), l’Orchestre symphonique de Cordoba,The Nieuw Ensemble of Amsterdam et le Baroque Fever Ensemble.

Amina Alaoui s’est vu attribuée divers prix:
- Prix d’Interprétation du festival de musique Arabo-andalouse d’Oran en 1989- Algérie.
- Prix d’Excellence au Festival Gharnati d’Oujda en 1992- Maroc.
- Prix d’Honneur du Festival de Musique Classique Arabe de l’Opéra du Caire- Egypte 1993.
- Nominée au Trophée de la Musique du Continent Africain «Kora 1999».

BIOGRAPHY – en

She is regarded today as a virtuoso and such a great ambassador of this chant tradition around the world. She combines also musicology, composition and performance, with a single-minded devotion. She is exceptionally talented and innovative.

She was born in Fez, Morocco, issued from aristocratic and old-established family rich in Moroccan culture and tradition. It was at the age of six, in her family artistic environment, that she first deve¬loped her love of Arab-Andalusian music. She started studying classical piano with the Maestro Mohamed Abu Drar, a classical European chef orchestra certified in Germany. She also attended Conservatory in Rabat, with Mr Ahmed Aydoun and Mr Ouassini. She studied Alvin Nicolaï contem¬porary dance with Marie-Odile Loakira and classical dance with Vera Likatchova, as well as Oriental dances. Her first poems were published when she was only ten years!

Furthermore, after the French Baccalaureate High School Diploma in Descartes, and the CompluFur¬thermore, after the French Baccalaureate High School Diploma in Descartes, and the Complutense University Diploma of Madrid, she majored in philosophy and linguistics (Arabic and Spanish) at the University of Granada. In Granada, she developed a personal research on the Arab-Andalusian songs and oriental music, also the poetry…. Her deep initiation into the Gharnati style was in Rabat where she honed her skills in Gharnati music under Master Ahmed Piro. She also studied Euro¬pean medieval songs with Henri Agnel and classical Persian repertoire with Djallal Akhbari. In 2000 she won the “Villa Médicis Hors les Murs” Grand from French Governement, for a musicological research, in Spain and Portugal, on the historical relationships between Flamenco (Spanih song and dane genre), Fado (Portuguese song and dance genre) and the Arab-Andalusian music. Amina Alaoui’s two-year research opened up new wider horizons for her. The Festival of the Alhambra in Granada (2002) marked her masterly skill in both composition and performance.

Her career is marked by significant events and concerts with renowned musicians such as: Maria Joao Pires, Jon Hassell, Djamchid Chemirani, Naseer Shamma, Said Chraïbi,Renaud Garcia Fons, Pedro Soler…. With such songwriters as Lluis Llach, Angélique Ionatos, Loudovikos… With singers such as Nena Venetsanou, Sister Marie Keyrouz, Ines Bacan, and Esperanza Fernandez. Amina Alaoui worked in collaboration with classical oriental and european Orchestras : The Andalusian Orchestras of Fez (conduced by Mohamed Briouel) , of Tetuan (conduced by Amine Akrami) and of Rabat (conduced by Ahmed Piro), The London Philharmonic Orchestra (conduced by Serge Dorny), the European Philharmonic Orchestra (conduced by Hugues Reiner), the Nieuw Ensemble of Ams¬terdam, and the Baroque Fever Ensemble.

Amina Alaoui received numerous prestigious awards and honours:
- Prix d’Interprétation du festival de musique Arabo-andalouse d’Oran en 1989- Algérie.
-Performance Award at the Festival of Oran (Algeria, 1989).
-Excellence Award at Gharnati Music Festival (Oujda, Morocco, 1992).
-Honour Award of the Cairo Opera – Festival of Classical Arabic Music (Egypt, 1993).
-Nominated for «Kora Awards 1999». She earned Trophy of African Continent Music.

DISCOGRAPHY

Amina Alaoui live à GELE ZAAL- Gent, 1997.

Musique Arabo-Andalouse du Maroc
with Ahmed Piro and Rabat Andalusian Orchestra
(Auvidis Ethnic-1995-France), (World sélection – Naïve – 2000 –France) ‘Choc du Monde de la Musique’ Award

ALCANTARA
1998 Auvidis /World selection
Naïve-2000 France
«Choc du Monde de la Musique»
«Diapason d’Or» Awards.

Gharnata Soul
Moroccan court music
King Record Co.Ltd, Tokyo 2005
Gharnati en concert
Saphrane/ Amsterdam 2009

Siwan

writing avec Jon Balke
interpreter with John Hassel et The Baroque Fever ensemble.
ECM, Munich 2009.

Collaboration with :
• Un Pont de Mar Blava, LLuís LLACH, (éd. PRICAP), Barcelona 1993.
• XAPMATOYZA, LOUDOVIKOS, (éd Milos), Greece 1994.
• Chant de Troubadours, Pierre GROZS and Henri Agnel , (Auvidis- Astrée), Paris 1998.
• Chansons pour enfants, Saïd Al Maghribi, Paris 1987.
• Diwan, Rachid Taha, guest of honour, Londres 1999.
• Terra de Abrigo, l’Esemble “Ronda dos Quatros Caminhos” , Katia Guerreiro, Esperanza Fernández, Amina Alaoui , le Coro Do Alentejo and The Sinfonic Orquesta ofCórdoba, (Ed. Ocarina), Lisboa 2003.

COMPILATIONS:
• Compose and interprete the song Ya Dounia on the album « Baby Blues », (Ed. enfance et musique) Paris 1995.
• HAMDULILLAH – compilation from “Fès Festival of World Sacred Music”, vol2, 1998.
• «Xémes rencontres de chants polyphoniques de Calvi», RFI-Musique, 1998.
• Musique d’Orient -éd BMG, Paris 1998.
• L’empreinte Orientale- éd Naïve, Paris 2000.
• RE-Orient Festivalen, Stockholm 2005.

Movies and theater:
• Music Composer lthemusic and choreographer for the theatrical work Aide-toi le ciel t’aide¬ra by Farida Benlyazid.
•Interprèter, musician et choreographer for the movie Keid al Nissa by Farida Benlyazid.
• Music Composer and singer for the film credits Mektoub by Nabil AYOUCH) 1997.
• Compose the film credits Histoire d’une rose by Majid Rachich) and Le grand voyage (réal. Ismaël Ferroukhi).
• Singer in the movies : Le scooter à pédale” by Jean Louis Tribes; “La règle de l’homme” by Jean Daniel Verhaeghe.
• Co-compose, Write in arab the booklet, and interpret Davia, in the opera «Davia» for ma¬rionnete with wire. Marionete National theater of Praga. December 2009.
• Author and Co-composer with Rob Lane for 3 songs for «Ben-Hur». February 2010.

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Amina Alaoui rider

BIOGRAFIA

Nel 1966-67 pubblica il 33 giri “Ho la criniera da leone, perciò attenzione”, 12 brani inediti di sua composizione per la Ricordi.

Nel 1968 partecipa a “Ci ragiono e canto” di Dario Fo interpretando un suo successo: “L’Avola”. Seguono varie esperienze di musica elettronica, gestuale, performativa e free jazz con artisti come Vittorio Gelmetti, Sylvano Bussotti, Pietro Grossi, Charlotte Moorman, Giuseppe Chiari e Alvin Curran del gruppo “fluxus” e gli artisti della poesia visiva.

Collabora con i musicisti del Living Theatre, pionieri del free jazz.

Nel frattempo Antonio Infantino si laurea in architettura e insegna arte dei giardini alla facoltà di Architettura di Firenze.

Nel 1975 crea i Tarantolati di Tricarico. I Tarantolati di Antonio Infantino propongono una ricomposizione di canti popolari tradizionali oltre a canti composti dallo stesso Infantino su ispirazione popolare. Canti stravolti ed esasperati, sono gli ingredienti che fanno dei Tarantolati un gruppo davvero unico e travolgente. L’uso di numerosi strumenti autocostruiti ed oggetti di uso corrente (come John Cage) , anche moderni, dà ai brani del gruppo una particolare pienezza ritmica e rende trascinante l’ascolto.

Antonio Infantino incide 3 dischi, nel 1975 “I Tarantolati“, nel 1976 “La morte Bianca“ e nel 1977 “Follie del divino spirito santo“ tutti e tre per la Fonit Cetra,

Viene invitato a numerose trasmissioni televisive, radiofoniche e rassegne musicali in Italia e all’estero.

Nel 1977 partecipa al club Tenco dove per la prima volta in un teatro istituzionale il pubblico ballava sulle sedie.

Dopo un periodo trascorso in Brasile al fianco di artisti quali Toquinho e altri musicisti del giro di Milton Nascimento, Sergio Vernek Muniz (O’ Mineiro) fanno maturare ulteriormente Infantino che pubblica nel 1978 “La tarantola va in Brasile” per la Polygram.

Nel 1983 musica “L’Arlecchino” di Dario Fo in occasione della Biennale del Teatro di Venezia.

Nel 1984 campionando dal vivo, allo zoo di Pistoia, i versi degli animali realizza un opera musicale: “La fattoria degli animali”.

Nel 1984-1987 compone musiche per il cinema, la serie televisiva “vincere per vincere” con la regia di Stefania Casini per Mediaset e firma la composizione della colonna sonora per il Film “Terno secco” di e con Giancarlo Giannini per la Cecchi Gori.

Nel 1989 compone le musiche per lo spettacolo “Tricolore triste” del gruppo teatrale Niewe Scene di Anversa, in Belgio.

Nel 1991 per lo stesso gruppo teatrale scrive, scenografa, compone le musiche, crea i costumi per “ La Nave dei Folli ” spettacolo che ripercorre l’evoluzione del teatro comico attraverso i millenni.

Sempre in Belgio dipingendo quadri, indaga i rapporti tra musica e colore pittorico.

Nel 1996 presenta un mostra al Parlamento Europeo di Bruxelles dal titolo “ Danza Cosmica: danza, suono, colore “ Per l’occasione compone e incide “ Tarantella Tarantata “ per l’Amiata Records

Durante i numerosi Tour inizia la composizione di “ Tarantrace “, un vero capolavoro in cui i ritmi, i suoni e gli strumenti ancestrali e tradizionali si sposano con le sonorità elettroniche Trance più evolute in una combinazione orchestrale di raro effetto catartico.

Nel 2000 il suo spettacolo musicale, Tarantrance, è lo spettacolo ufficiale di chiusura del Carnevale di Venezia in Piazza San Marco dove riscuote un enorme successo di critica e di pubblico.

Nel 2004 è invitato come Evento Speciale alla Biennale di Venezia, L’opera di Antonio Infantino si caratterizza per la presenza corale di diverse discipline artistiche e tecniche che avvolgono e coinvolgono il pubblico: la danza, la musica, le arti visive. Un rituale coreutico e festoso che ha al centro della scena gli spettatori come soggetti attivi: sollecitati dalla danza ancestrale, dai suoni ipnotici e dai colori vibranti, danzando, si entra in Trance attraverso la sapiente guida di questo “sciamano hypermediale”.

Nel 2004 “ Tarantrace “ entra nelle classifiche dei dischi più ballati in America, sorpassando addirittura pop stars quali Britney Spears e Mariah Carey.

Nel 2007 la Deja-vu Retrò pubblica e distribuisce in tutto il mondo nella collana Gold Collections un cofanetto di 5 CD, due musicali, due DVD e un CD-ROM dal titolo “ Antology of Tarantella “ di Antonio Infantino.

Nel 2008 crea artisticamente “Viva Italia Taranta Festa”* nel sito Archeologico Augusta Raurica di Basilea e mette in scena oltre centocinquanta artisti tra musicisti, danzatori, attori di Taranta.

Nel 2009 crea “La danza delle api” opera multimediale, danza, suoni ed immagini che che viene presentata alla biennale di Venezia.
Inoltre allestisce lo spettacolo “Tarantagnawa” che mette in scena, in chiave moderna, musicisti, danzatori ed interpreti del mondo ancestrale della Taranta e del Gnawa.

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BIOGRAFIA

Nata in Sud Africa nel 1976, la piccola Katia non sa ancora questa musica che culla il cuore del Portogallo e ben presto anche il suo. Quando con la famiglia arriva alle Assorre non ha ancora compiuto un anno. Durante la sua infanzia incontra la musica con suo fratello, a 18 anni parte per Lisbona per iscriversi alla facoltà di medicina e comincia lo studio della « viola da terra ». Diventa tra l’altro la cantante di un gruppo di fado i « Charruas », e durante il suo corso di laurea integra l’Orchestra della Scuola di Medicina di Lisbona. Una notte Katia Guerreiro entra in una « casa di fado » con degli amici e viene invitata sul palco. Appena comincia a cantare conquista il pubblico e le si aprono le porte di un ambiente particolarmente chiuso. E’ la nascita di due stupendi album « Fado Maior » nel 2001 e « Nas Mãos do Fado » nel 2003, nei quali questa cantante delicata presenta un perfetto equilibrio tra tradizione e interpretazione personale che fa la sua modernità e la sua forza. Amalia Rodrigues può dormire in pace, Katia Guerreiro ha preso la rileva…

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BIOGRAFIA – it

Per la prima volta si autorizza a mettere in musica la poesia del suo illustre padre, Kateb Yacine, vent’anni dopo la sua morte. Bonjour, una delle sue poesie scritte in gioventù, ricca della lucidità della disperazione ispirata a Rimbaud che oltrepassa il senso delle parole, da il tono di questo album. Lo spirito errante ci spinge verso strade polverose dove nascono le rivolte e le solidarietà che nascono dalle grandi solitudini.

Come i cantanti tradizionali dell’Atlante, che si spostano da un villaggio all’altro per portare le notizie dal mondo, Amazigh alza lo sguardo al di sopra della mischia per annunciare la verità. Ma lo fa nell’epoca supersonica denunciando comunque i ritorni del colonialismo francese, il terrore criminale americano, la follia esclusiva di Israele e il feodalismo arabo (Sans Histoire).

Amazigh riempie a pieno il suo ruolo, arringa, denuncia. L’ingiustizia del potere algerino, avvolta nella sufficienza del suo accecamento, si schiera in prima fila nel brano Mociba. Koma descrive le terribili conseguenze subite dalla gioventù algerina dovuta alla chiusura del paese: rifugiati nell’alcool unica possibilità di fuga.

Creato durante le sue erranze di cantante che si accompagna col gumbri, in un angolo di stanza o di un bagno al computer portatile, questo disco possiede la dinamica positiva dell’urgenza. Un modo di lavorare che permette di carpire le emozioni istantaneamente. Le parole semplici e fraterne di Chante avec moi agiscono come un balsamo riparatore.

“Je suis plusieurs dans ce cas-là” : il genere di parole che arrivano senza avvertire al momento opportuno, mantenendo viva la speranza e i ricordi positivi.

Più scuro ma altrettanto federatore, Ma Tribu chiude l’album invocando gli spiriti del deserto: il richiamo profondo della melodia gnawa risuona ancora a lungo dopo che la musica si sia fermata…

BIOGRAPHIE – fr

Cet album est une insomnie en forme de manifeste : un manifeste pour l’amour, la révolution, le rire, la danse, la sueur et la résistance. Il correspond à un besoin de faire le bilan humain et artistique de 20 ans d’exil et de deuil, de route et de scène, de solitude et de collectif.

C’est une nouvelle naissance à plus d’un titre.

Sur le plan artistique et musical, ce travail est recentré autour de la voix et du texte, en laissant de l’espace aux instruments et à l’interprétation. L’aspect général est rugueux et utilise une grande variété de sonorités ethniques, mises en relief et en valeur par des sons modernes qui s’y mêlent pour donner un ensemble de sensations et d’ambiances allant de la chanson chaabi, au raï, en passant par le gnawi, le ragga, le reggae, le rock, l’électro ou le hiphop.

Enfin, le cœur de la musique reste acoustique : Amar Chaoui aux percussions, Mohamed Abdennour au mandole, au banjo et à la guitare se frottent à des univers plus ou moins familiers, avec un guembri en guise de colonne vertébrale et de fil conducteur tout au long de cet album. La présence notamment de DJ Boulaone aux platines et de Mehdi Ziouch aux synthétiseurs participe pour beaucoup de cette confrontation essentielle et motrice entre la modernité et la tradition, entre ce que nous sommes et ce que nous devenons.

Parmi les éléments nouveaux qui caractérisent cette nouvelle production, il y a aussi la rencontre tellement souhaitée du vers paternel avec la mélodie d’un fils. Il est devenu soudain possible d’offrir à un père trop tôt parti une partie de vie et d’émotion, de couleur et de sensation, pour lui rassemblées en bouquet. C’est un plaisir de s’accaparer une écriture, autant qu’elle peut vous emmener. Je ne rêve plus de mon père. Il est debout à mes côtés.

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BIOGRAFIA

Souad perpetua una musica ancestrale importata dall’Africa Nera fino al Nord di questo continente. E’ una donna dallo spirito nomade, appartiene alla nuova generazione, onora i ritmi antichi ma li miscela a sonorità contemporanee…

E lei racconta:
“ho la sensazione di una rivolta profonde all’interno di me stessa, non voglio rifare il mondo ma vorrei solo illustrare questa grande ingiustizia che lo gestisce e contro laquale non posso probabilmente nulla, ma perlomeno la denuncio”.

Nei miei testi vi è anche una profonda spiritualità che mi vengono dalla mia cultura dove i principi di base sono il riposo dell’anima e la semplicità La mia spiritualità appartiene a tutti gli dei, da quando sono piccola sono nata musulmana ma provengo da un ambiente di cultura multietnica dove ognuno coltiva il proprio Islam.

Per me la religione significa prima di tutto amore con la A maiuscola, so che si tratta di un’utopia ma lo rivendico nei miei testi visto che nella realtà non è proprio così.

La mia musica è contaminata da diverse radici , quelle che appartengono al deserto, le mie radici africane e che riconosco con forza, spesso noi Algerini non siamo considerati Africani, mentre basta guardare la mia faccia per capire da dove provengo!

Inoltre le sonorità dei miei brani sono impregnati di Gnawa, ma anche di reggae, di ragha, di blues, che sono tutte forme musicali che ho assorbito con la mia famiglia durante l’infanzia.

Poi ci sono i miei 17 anni di esilio, quelli che mi hanno permesso di scoprire il mondo, di ascoltare ancora altre forme musicali e di confrontarmi con la miriade di stili musicali che popolano una città come Parigi.

E’ tutto questo mélange che mi ha ispirato, quando invento una melodia canticchio la mia cultura musicale, provengo da un mondo dove la musica appartiene ad una tradizione orale e infatti ricostruisco oralmente tutto, dalla partitura del basso, a quella della chitarra, del umbri, alla mandola e anche alla fisarmonica senza ovviamente dimenticare le percussioni.

Le registro sul mio cellulare, per non dimenticarle e poi vado in sala e costruisco i miei brani con il computer per poi sostituirlo con i strumenti veri.

L’ispirazione di un brano può venirmi da una visione, un luogo, il silenzio del deserto, i paesaggi che mi appartengono, alcuni vengono allegri altri malinconici….”

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BIOGRAFIA – it

Come qualificare la musica di Minino Garay ? world jazzy, jazz latin, groove argentino ? O « speaking tango » come a lui piace definire la sua musica? Sicuramente è un po’ di tutto questo favolosamente intrecciato.

20 anni di contaminazioni parigine e europee lasciano una traccia, aggiungendo à questo il meticciaggio delle origini di questo artista dove le radici africane si mescolano a quelle peruviane, dove la lingua spagnola si fonde a quella americana.

Influenze a parte Minino rimane Minino, l’oratore cosmopolita, il compositore, l’accentratore di talenti, il direttore d’orchestra particolarmente espressivo in un contatto permanente con il pubblico, con il quale instaura un rapporto al limite del possesso!

Ed è qui che i viaggi prendono inizio, dalla chitarra saturata al bandoneon, dalla tromba definitivamente jazz al bombo argentino, Minino abbina i suoni tra loro in perfetto capo convoglio. A minino piace coltivare l’ambiguità di una musica cosidetta « esotica » e ritmata, abbinandola a dei testi impegnati (alcuni scritti da sua madre) seguendo una sua filosofia : « sotto la spiaggia il bitume ! ».

Durante i concerti il groove è eccezionale, il gruppo si diverte, festeggia, suona con l’anima ! I musicisti, tre tamburi e percussioni davanti (Minino davanti con le bachette) e cinque musicisti dietro (piano, fiati, basso e chitarra) coltivano questa stessa unione del festeggiamento e della denuncia, ciò trascina il pubblico all’ascolto e al ballo contemporaneamente.

E a noi di chiederci ma il pubblico che sempre più numeroso segue Minino che cosa lo lega a lui se no Minino stesso ?

Spesso richiesto dai più grandi artisti del Jazz e della world music, Minino ha raccolto intorno a se personaggi come Lallo Zanelli, Pajaro Canzani, Pierre Bertrand o Eddy Tomassi, per formare il gruppo Los Tambores del Sur.
Il disco « Que lo pario », pubblicato in marzo dalla casa discografica francese Naïve, è la dimostrazione della profusione di universi che che influenzano Minino e i suoi accompagnatori, e in quel disco si sente che suonano suonano suonano e provano piacere a farlo tanto quanto ne danno a chi li ascolta.

Dopo una presentazione a Parigi a gennaio per l’uscita del disco Minino è in tournée continua in festivals e sale concerti di tutto il mondo dove ritroverà il suo pubblico, lo stesso che ha fatto di lui uno dei percussionisti più richiesti del Pianeta Musica.

BIOGRAPHIE – fr

Est-ce de la world jazzy, du jazz latin, du groove argentin ? Ou du « speaking tango » comme Minino aime parfois à le définir ? Certainement un peu de tout cela.

20 ans de mixité parisienne et européenne, ça laisse des traces. Ajouté à cela le métissage des origines argentines où l’africain côtoie le péruvien, où l’espagnol se marie avec l’américain.

Qu’importe les influences, pourvu qu’il reste Minino, le tchatcheur, le compositeur, le réunisseur de talents, le chef d’orchestre très démonstratif, en contact permanent avec le public, à la limite de la possessivité !

Et c’est à ce moment que le, les voyages commencent. De la guitare saturée au bandonéon, de la trompette définitivement jazz au bombo argentin, Minino combine les sons en parfait chef de convoi. Minino cultive l’ambiguïté d’une musique qui se veut « exotique » et festive, combinée à des textes engagés (dont certains écrits par sa mère). En quelque sorte « sous la plage, les pavés ».

Côté scène, ça groove, ça s’amuse, ça fête, ça chahute, en deux mots ça joue ! Trois tambours et percus devant (dont Minino au milieu à la baguette) et cinq musiciens derrière (piano, cuivres, basse, guitare) cultivent cette même ambiguïté du festif et de l’engagement. Ce qui conduit le public à une double attitude entre l’écoute et le mouvement des hanches.

Et le public de revenir de plus en plus nombreux se posant la même question de savoir ce qui l’attache à Minino ? Minino non ?

Souvent sollicité par des grands noms du jazz et des musiques du monde, Minino a trouvé le temps de rassembler autour de lui d’autres pointures tel Lallo Zanelli, Pajaro Canzani, Pierre Bertrand ou Eddy Tomassi, pour former les Tambours du Sud (Los Tambores del Sur). « Que lo pario », sorti en mars chez Naïve, est la parfaite illustration de la profusion d’univers qui habitent Minino et ses comparses, à savoir jouer, jouer, jouer et prendre du plaisir pour mieux en donner.

Après l’Alhambra en janvier dernier, une tournée des festivals en été et à l’automne 2009, Minino se produira sur plusieurs « petites » scènes parisiennes retrouvant le public qui a fait de lui, peu après son arrivée en France, l’un des percussionnistes les plus demandés de la planète musique.

BIOGRAPHY – en

A world groove from somewhere special

“Que lo pario!”, Minino’s latest album and his first since “Kilombo”, is again all about mixing musical styles. Despite his unclassifiable and eclectic, Minino Garay’s heart still appears to beat to the sounds of his legendary pampa twenty years after moving to France. The most vital percussionist and drummer of his generation still uses the nickname he was given as a boy (meaning “small”, strangely) and continues to draw on his origins in the Ayacucho neighbourhood of Cordoba, Argentina’s second city, some 800 kilometres from Buenos Aires. It is land that doesn’t know the sea with a population that is part Indian and no link to the tango, and from it blows a constant wind of rebellion.

This iconoclastic crosser of borders, born of the chacareras, milongas, zambas and other “folklore” (a term that does not have the same rigid connotations there as in Europe), assumes his hybrid status as a descendant of “Italians who speak Spanish and think they’re English” (it’s actually even worse than that because the people came by boat and usually only the captain was Spanish and everyone else was a “Moor”, an Arab. Holy smoke!)

Contrary to all historical assumptions, in reality it is the comings and goings, “ida y vuelta”, between Africa and Latin America that slumber beneath the skins of his favourite instruments. The “bombo leguero” – an instrument that is as negro as it is native Indian and used to be made by covering a large tree trunk with skins, to be hit with a stick – and the Afro-Peruvian cajon will make sure that our alchemist is in the right place at the right time. In the 1990s, Paris was the capital of world music with an explosion of many African cultures and Minino became literally obsessed with this city of many colours. Before he got his first taste of Mali playing with Dee Dee Bridgwater, and before he met Sheik Ti Diane Seck or fell for the gnawa festival in Essaouira, he had already played and performed with musicians who have all, in their own way, taken world jazz to a higher level, including Magic Malik, Julien Lourau’s groove gang, Richard Bona and Daniel Mille.

This is when an incredible family formed around the Tambours du Sud – the Uruguayan guitarist and star of Latin rock, Pajaro Canzani (who composed the sublime twilight song “Tenochtitlan” among others on this record), the pianist Lalo Zanelli (who wrote the beautiful “Un Mundo Diferente” here), the composer and arranger for the Paris Big Band, Pierre Bertrand, and the trumpet player Nicolas Genest. Not forgetting Minino’s South American percussionist friends Eddy Tomassi, Miguel Ballumbrosio, Sebastian Quezada and Hector Gomez…

Urban Afro-Latin jazz, which for a long time had been on the verge of breaking through but which suddenly took off in September 2008 at the Parisian Baiser Salé club is, on this album more than ever based on popular songs and old rhymes whose words we may have forgotten, but which re-emerge here alongside other more virulent, harsher lyrics. The polar opposite of “saudade” and the gentleness we attribute to it, this “speaking groove” is the rough version of a blues that the distance has inspired. Minino is like an animal ready to pounce, always hunting, and in this he resembles Argentina’s chaotic destiny – a violent history left gaping open like a wound that cannot heal, a land that was sold, and a sense of a country that was betrayed and is just beginning to face up to its past. Fiery Minino, “the terrible” as Jaime Torres the charango player calls him, also has something bucolic about him, something of the wounded bard continually in search of romance. As in the familiar chorus inspired by the popular expression Por ahi contaba Garay (any resemblance to our protagonist is obviously accidental), the “young cows” of the great poet Atahualpa Yupanqui, the smells of roast meat, and the world of nursery rhymes and childhood mysteries never seem to be far from his mind.

This music has its roots in and derives its meaning from two essential facts aspects of life in Cordoba – a very special sense of humour, and the virile, demonstrative language of the popular Cuartetos. In fact, Cordoba always comes across as being a “funny” place. The city has a talent for repartee, and humour is the regional sport; it is as if all these bizarre individuals had synapses programmed to make “chistes”, jokes. One version of this humour is expressed by the Cuartetos, a typical and incredibly popular form of music that attracts thousands of people to dance.

The original Cuarteto Leo, the Chebere in the 1990s or figures such as Carlito “la mona” Jimenez are still stars. These crazy bands of troublemakers, with their regular turnover of singers and leaders, their fingers loaded with rings, were initially accompanied by an accordeon, a double bass and percussion. Later on, they assimilated salsa and merengue arrangements as well as a remote cousin of the Columbian cumbia, giving rise to the typical local “cumbiero” style.

“Que lo pario!”, the album’s title track, which plays on the sad state of politics with lyrics by the contemporary Argentine writer Nury Taborda, is in the typical murga style (“meeting of bad musicians”). Reminiscent of the Bantu rhythms of Africa, this is cathartic, subversive music, an elusive art somewhere between dance, music and theatre. This murga – which is also related to the passion for football – is the other explosive and joyous face of a country that bears little resemblance to the melancholic image that tango has given it.

Emmanuelle HONORIN

Credits
Minino Garay y Los Tambores del Sur:
Lalo Zanelli: piano, vocals
Pajaro Canzani: guitar, vocals
Fabrizio Fenoglietto: bass, double bass
Pierre Bertrand: saxophones, arrangements
Nicolas Genest: trumpet
Line Kruse: violin
Eddy Tomassi: percussion, vocals
Miguel Ballumbrosio: percussion, vocals

Guests
Sebastian Quezada: percussion, vocals
Hector Gomez: percussion
Nicolas Arnicho: percussion
Charlotte Louledjian: percussion
Patrick Bebey: Hammond organ
Denis Leloup: trombone
Alex Pandev: vocals

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Press

BIOGRAPHIE – fr

Elle développera rapidement un goût prononcé pour la danse et travaillera avec plusieurs troupes à Abidjan.

De retour à Bobo Dioulasso au Burkina faso en 1992, Kady décide d’en faire son métier . Elle se fera repérer par de nombreuses troupes et travaillera la danse, le chant et le théâtre, notamment dans le Foliba d’Adama Dramé.

Mais Kady d’un caractére indépendant et combattant, se trouve à l’étroit dans les groupes et souhaite faire entendre sa propre voix et celle des femmes africaines Depuis de nombreuses années elle écrit ses chansons et souhaite les faire partager au plus grand nombre.

En 1998 , elle s’entoure des musiciens de sa famille, qui mettent en musique son répertoire dans une veine traditionnelle et commence à tournée en Afrique. Dés 1999 elle viend jouer en Europe ou sa voix , sa présence et son énergie scénique séduiront un public friand de cette musique traditionnelle, joyeuse et tellement naturelle.

Depuis 1999 Kady Diarra a un pied au Burkina et l’autre en Europe, elle travaille régulièrement en France et transmet l’art de la danse à travers des stages et des master-class.

Durant l’était 2000 elle sort son premier CD 4 titre « Faso Bara » qui lui permettra de se produire dans de nombreux festivals, café concert et service culturel.

En février 2002 elle rejoint la formation jazz du pianiste allemand Jasper Van’t Hof, PILI-PILI, comme choriste. Elle part pour une tournée de 20 dates en Allemagne et en Autriche.

Pendant l’été 2002 après une tournée française, ou elle croisa la route de Youssou N’Dour au festival New Bagnols Blues et de Salif Keïta à l’auditorium de Lyon, elle enregistre son premier album, sortie en mars 2004 chez playasound.

En 2004, après avoir intégrer Harouna Koïta, ancien guitariste et claviers du groupe Farafina, à ses musiciens, elle s’est produite une centaine de fois pour assurer la promotion de son album.

En 2006, suite au durcissement des conditions de circulation des artistes africains Kady et contraint d’annuler la venue de ses musiciens, et comprend alors qu’il sera difficile pour l’avenir de continuer à les faire venir . Elle se tourne alors vers des musiciens installés en France.

Durant 2 ans,fort de toutes les experiences musicales qui l’ont traversées elle travaille à faire évoluer son répertoire, avec de l’aide du guitariste Franck Mercier, à partir d’une base traditionnelle en y incluant des sonorités plus propres à l’occident (ballade folk, skank reggae, ou tourne afro beat ) pour une fusion à la fois moderne et empreinte du respect de sa tradition musicale.

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plaquette 2010

BIOGRAFIA – it

Il guineano Ba Cissoko rende eterna una storia più che centenaria. E’ l’ultimo nato di una dinastia di griot, maestri cantanti ed abili musicisti di strumenti a corda; conosce tutti i codici ed i segreti della tradizione.

Ne valuta la ricchezza per i posteri ma non è quel tipo di artista che riproduce il lavoro dei suoi illustri antenati, a partire da suo zio M’Bady Kouyaté, che gli ha fatto conoscere il suo intero patrimonio culturale. Da quel momento, Ba Cissoko si è emancipato senza rompere mai quel legame, rinnovando il suo approccio strumentale e al tempo stesso raffinando la sua conoscenza dell’arte ed i buoni usi dei cantastorie.

E c’è proprio questo nel nuovo album. Per proiettare se stesso nel futuro senza mai dimenticare quel passato glorioso, Ba Cissoko parla dei bisogni contemporanei, di questioni scottanti, della sua vita quotidiana come musicista che viaggia attraverso tutto il pianeta. In questo modo egli dipinge un quadro perfetto dei griot post-moderni. Quest’uomo è tanto fermamente radicato nel suo mondo familiare quanto aperto ad altre possibilità.

Nel 2006 mette a frutto tutte le esperienze acquisite nel suo sinuoso percorso professionale che conducono alla fioritura artistica. Si è costruito un nome nel campo della musica ed ha affermato così la sua personalità artistica: i suoi bollenti spettacoli, lasciando in fiamme i tuoi piedi e la tua testa, facilmente ne danno prova.

Un elettroschock puramente organico offerto agli stereotipi. “Modernizzare la tradizione mandinga per diffonderla meglio; trasgredirla per renderle il giusto onore”.

Da qui “Electric Griot Land”, una strizzata d’occhio alla visione di Jimi Hendrix, che adattò le sue origini blues ai suoi tempi.

E’ questo il processo musicale di Ba Cissoko che nasce proprio quando Jimi Hendrix inizia il suo percorso musicale rivoluzionario.

Fa esplodere i canoni della tradizione, irrompe in essi con influenze elettriche ed eclettiche.

Da questo punto di vista, un trio perfettamente in linea con i suoi desideri, una ”storia di famiglia”: i suoi due cugini, Kourou il più vecchio (basso e bolon) e Sékou, giovane prodigio che infuoca la kora con effetti saturi, e Konkouré, un percussionista che crea un’incredibile linea di infra-basso.

Da questa alchimia sgorga una linfa originale, una mistura di sapori soul, profumi pop… A questa ricetta base, si aggiungono un po’ di spezie: il Maliano Amadou Bagayoko, l’Ivoriano Tiken Jah Fakoly, i Nubiani sudanesi… per arricchire questo fantastico gombo, che sprigiona da un recipiente, nel quale, ovviamente, ritroviamo il raccolto di grano della madre, l’asfalto di Conakry, gli Amazzoni della Guinea.

BIOGRAPHY – en

The Guinean Ba Cissoko perpetuates a more than centenary history. He is the last born of a long lineage of griots, master singers and agile string pluckers.

He knows all the codes and secrets of tradition. He estimates its reach, for posterity, but he isn’t the kind of artist who reproduces the work of his illustrious elders, starting with his uncle, M’Bady Kouyaté, who passed him his knowledge on since he was a child, and transmitted to him his entire patrimony.

Since then, Ba Cissoko has emancipated himself without ever breaking that link, renewing his instrument’s approach while refining his knowledge of the art and of the good manners of storytelling.

This man is just as firmly rooted in his family’s earth as he is opened to other’s possibilities. In 2009, he is fructifying all the experiences he acquired on the sinuous path that leads towards artistic blossoming. He has built himself a name in the field of music, and has affirmed his musical personality : his boiling shows, setting your feet afire and burning your head, easily prove it. A pure organic electroshock administered to stereotypes.

“To modernize the mandigue tradition to better spread it; to transgress it, to really honour it”.

Hence “Séno”, a new wink to Jimi Hendrix’s vision, who adjusted his blues origins to his time.

That’s Ba Cissoko’s musical process, who was just born when the guitarist was starting on his revolution.

He explodes the canons of tradition, crashes into them with electric and eclectic influences.

By his side, musicians perfectly in phase with his desires, a “family story”: his two cousins, Kourou the elder on bass and bolon, and Sékou, the young prodigy who dynamites the kora with saturated effects, and Dartagnan (Percussions) and Abdoulaye Kouyaté (Guitar). From this alchemy gushes an original sap, a mixture of soul flavours, pop perfumes…

Jacques Denis

DISCOGRAPHY

Sabolan 2003 – Marabi/Harmunia Mundi

Electric Griot Land 2007 – Tololo/harmunia Mundi

Seno 2009 – NuitsMetis-Cantos/Pias

Yes a lot of single ply in radio in France and europe:
Sabolan, Suilani, Bambo etc…

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Stage plan

Press KIT

BIOGRAFIA – it

Figlia d’arte, di padre cantante e pittore e di madre violista, all’età di 3 anni inizia a suonare il violino e il pianoforte sotto la guida della madre. Dopo un infortunio alla mano comincia lo studio del canto lirico e nel 1989 si trasferisce in Italia per approfondire la conoscenza del “Bel Canto”.

Dal 1991 studia teatro con il metodo Stanislavsky-Strasberg, con il regista Renzo Casali, presso la “Scuola Europea di Teatro e Cinema” di Milano e successivamente insegna nella stessa scuola.

Entra nel gruppo teatrale Comuna Baires, mettendo in scena, come attrice e musicista, vari spettacoli in Italia e in Argentina. Divenuta consapevole dell’importanza delle proprie radici culturali inizia una ricerca sul canto e la musica popolare giapponese che a tutt’oggi è la sua attività principale. Per anni ha insegnato musica corale nelle scuole elementari con il progetto “Sono nato dall’altra parte del mondo” da lei stessa ideata.

Ha partecipato come solista alla realizzazione del disco di Gianna Nannini “Perle”. Attualmente lavora con il cantante e flautista Francesco Forges in un duo vocale poli-strumentale “One More Language”, con il quale ha inciso 2 cd esibendosi in diversi festival in Italia e Francia. Da anni dirige un piccolo coro polifonico. Ha partecipanto alla realizzazione del disco “Darwin Suite” di Ferdinando Faraò.

Nel 2009 è stata scelta, insieme ad altri 20 cantanti, per partecipare alla realizzazione del progetto “Bobble” ideato e diretto da Bobby McFerrin al Stimmen Festival di Basilea.

Numerose le sue collaborazioni con diversi artisti quali Beñat Achiary, Francesca Breschi (storica componente del Quartetto di Giovanna Marini), il tamburellista Carlo Rizzo, il percussionista brasiliano Kal Dos Santos, la musicista iraniana Farzaneh Joorabchi, la cantante di Capoverde Karin Mensah e il percussionista Federico Sanesi.

BIOGRAPHIE – fr

Née à Kyoto, au Japon en 1969 Shinobu est chanteuse, musicienne et compositrice. Fille de musiciens – son père était chanteur et peintre et sa mère violiniste -, elle commence à jouer du violon et du piano à l’âge de 3 ans auprès de sa mère. Après un accident qui handicape une de ses mains, elle commence à apprendre le chant lyrique et s’installe en 1989 en Italie pour approfondir ses connaissances du “Bel Canto”. En 1991 elle étudie le théatre en suivant la méthode Stanislavsky-Strasberg, avec le metteur en scène italien Renzo Casali, son maître, à la “Scuola Europea di Teatro e Cinema” de Milan et devient ensuite enseignante à la meme école. Elle fait partie de la troupe de théatre Comuna Baires, et monte sur scène en tant qu’actrice et musicienne dans différents spectacles de cette compagnie qui se produit en Italie et en Argentine.

Elle prend alors conscience de l’importance de ses racines culturelles et commence ses recherches sur les chants et la musique japonaise, ce qui reste encore aujourd’hui son activité principale. Elle a enseigné pendant des années la musique chorale dans les écoles élémentaires avec son projet “Je suis né de l’autre coté de la planète”. Elle a participé en tant que soliste au disque de la chanteuse italienne Gianna Nannini “Perle”. Elle travaille actuellement avec le chanteur et flûtiste Francesco Forges dans un duo vocal et poly-instrumental “One More Language”, avec lequel elle a gravé deux albums et participé à de nombreux festivals en Italie et en France. Depuis des années elle dirige aussi une chorale polyphonique.

Elle a participé à la réalisation de l’album “Darwin Suite” de Ferdinando Faraò. En 2009 elle a été selectionnée avec 20 autres chanteurs pour participer à la réalisation du projet “Bobble”, crée et dirigé par Bobby McFerrin au Stimmen Festival de Bâle.

Elle a collaboré avec de nombreux artistes tels que Beñat Achiary, Francesca Breschi (disciple depuis toujours de Giovanna Marini), Carlo Rizzo joueurs de tambourin, le percussioniste brésilien Kal Dos Santos, la musicienne iranienne Farzaneh Joorabchi, la chanteuse capverdienne Karin Mensah et le percussioniste italien Federico Sanesi.

Project DENSHO – it

Il termine giapponese 伝承 è l’incontro di due ideogrammi con significati dall’etimologia molto profonda.

伝 (den) è un ideogramma che originariamente era formato da quello di 人 (uomo) e 専 (qualcosa che è stato posto all’interno di un sacco), dunque insieme indicano “caricare un sacco su un uomo”, dunque affidare a qualcuno un oggetto perchè se ne prenda cura e lo porti a destinazione da qualche parte. L’ideogramma nasconde al suo interno un’azione di “presa in carico” con una forte sfumatura di responsabilità per tale azione. L’azione del trasmettere e del portare a destinazione avviene soltanto dopo che un uomo si è caricato sulla sua schiena il fardello che porterà con se.

承 (shō) invece affonda le sue radici etimologiche nei due ideogrammi che indicano il gesto di chi sta inginocchiato e di chi allinea entrambe le mani per ricevere. Insieme pertanto stanno ad indicare proprio il gesto e la postura riverente di chi si inchina e a mani tese stando pronto a ricevere qualcosa.

伝承 dunque non è solo “tradizione”, esso indica qualcosa di notevolmente più antico e profondo. L’umile e rispettosa azione di chi si abbassa e si prepara per accogliere un bene da qualcun altro dato in custodia e in affidamento perchè venga recapitato.

Per la lingua giapponese questa azione rivela tutto l’apporto di responsabilità, l’umile e rispettosa devozione di chi si incarica di questa commissione. Che appunto diventa “missione”. Dunque qualcosa di sacro, non nel senso meramente religioso ma morale ed etico e compenetrato nell’idea giapponese di chi intende trasmettere ai posteri qualcosa che altrettanto sacramente ha ricevuto dagli antenati.

Project DENSHO – fr

Le terme japonais 伝承 est la rencontre de deux idéogrammes dont le sens étymologique est très profond.

伝 (den) est formé à l’origine par la réunion de 人 (homme) et 専 (quelque chose qui a été placé à l’intérieur d’un sac). Assemblés ils indiquent ainsi “charger un sac sur le dos d’un homme”, ce qui veut dire confier à quelqu’un un objet pour qu’il en prenne soin et le mène à destination. L’idéogramme cache une “action de prise en charge” avec une forte connotation de responsabilité envers cette action. L’action de transmettre et de porter à destination advient seulement après que l’homme ait pris à sa charge sur son dos le fardeau qu’il emmènera.

承 (shō) par contre prend ses racines etymologiques des deux idéogrammes qui indiquent le geste de celui qui est à genoux et qui tend ses deux mains pour recevoir. Ensemble ils indiquent et la position de réverence de celui qui s’agenouille et tend ses mains pour recevoir quelque chose.

伝承 n’indiquent pas seulement la “tradition”, ils désignent aussi quelque chose de beaucoup plus ancien et profond. L’humble et respectueuse action de celui qui se baisse et se prépare à recevoir un bien de la part de qulqu’un d’autre qui le lui confie pour qu’il le prenne en charge. Ou qu’il en soit le dépositaire… ?

Pour la langue japonaise cette action révèle toute la charge de responsabilité, l’humble et respectueuse dévotion de celui qui prend à sa charge cette commission. Qui devient une “mission” à proprement parler. Il s’agit donc de quelquechose de sacré, non pas au sens religieux du terme mais au sens moral et éthique empli de l’esprit japonais de ceux qui entendent passer aux nouvelles générations quelque chose qu’ils ont eux-même reçu de leurs aïeux.

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BIOGRAPHIE – fr

En treize années d’existence, Les Tambours de Brazza ont réussi le tour de force de s’imposer aux quatre coins de la planète. Collé-serré au corps à corps avec les fûts de leurs tambours ngoma, ils ont montré ce que la soul ou le hip hop doivent à la tradition la plus profonde des royaumes bantous. Aux jeunes générations, ils ont fait percevoir le sens symbolique du tambour de Kongo. Ngoma, l’alliance de deux mots: “ngo”, la force de la panthère, et “ma” ce que l’on donne.

Cette “force que l’on donne” leur est née à Brazzaville, capitale du Congo. Emile Biayenda, batteur de jazz et fondateur du groupe, y rassemble une centaine de jeunes joueurs de ngoma venus de tout le pays. Leur style révolutionnaire deviendra un modèle pour une nouvelle génération de musiciens. Mais la guerre civile ravage alors le Congo.

En 1997, après une grande tournée européenne, ils sont contraints de quitter Brazzaville. Passés par Pointe-Noire, ils s’installent à Cotonou, le grand port du Bénin, d’où ils rayonnent sur l’Europe, l’Afrique de l’Ouest, Hong Kong, Taiwan, Macao, Japon ou les USA, avant de s’installer en France en 2001. Ceux qui les voient cette année-là au festival Musiques-Métisses d’Angoulême prennent conscience du fossé qui séparent les spectacles de ballets traditionnels africains de celui des Tambours de Brazza.

Depuis, le groupe est devenu une référence internationale. Leur spectacle où se mélangent danses et tambours, font la place aux influences plus récentes grâce à l’ajout de la batterie, de la basse et de la guitare. Formation à géométrie variable, les Tambours de Brazza proposent des formules de 11 à 15 musiciens/danseurs, selon la configuration des salles et le type de diffusion (festival, plein air, théâtres…).

Fin 2007, un DVD et un CD ont marqué le retour d’une des formations africaines les plus prestigieuses du continent.

BIOGRAPHY – en

In twelve years’ of musical career, they have amazed and delighted audience on four continents. Their music shows shows how much Hip-Hop owes to the traditional Ngoma drums of the Bantu Kingdoms, whose people are sharing the symbolism of “Kongo diantotéla”drums with a new generation: “Ngoma”, is the union of two words: “Ngo” the strength of the Leopard and “MA” what is given.

Tambours de Brazza first found this “Given strenght” in the Congo’s capital Brazzaville, where Emile Biayenda, jazz drummer and founder of the band, gathered together hundreds of young Ngoma drummers from all over the country. Their revolutionary style will become a model for a new generation of musicians.

This “strenght” helped them survive a civil war that devastes the Congo, in 1997, after a major european tour, unable to return to their country, they were forced for a while to settle in Cotonou the main port of Bénin, and from there to make their voice heard throughout Europe, West Africa, Hong Kong and Japan, before settling in France 2001.

The group was brought together in 1991 by drummer, percussionist and author/composer, Emile Biayenda who had been working in reggae, jazz and traditional music ensemble.

Les Tambours de Brazza fuse heritage with modernity: traditional instruments give the Bass-guitar, the guitar,and Sanza à jazz-like resonance.

François Bensignor (Mondo mix)

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BIOGRAFIA

Le lingatere sono la casa e l’arte della taranta, questo significa lingatere, questa la musica dei Lingatere, sempre molto legata alla tradizione, mai sua prigioniera. Il Salento è l’unica regione in cui la tarantella, che ha assunto la denominazione di pizzica, mantiene la sua funzione originaria di danza curativa, di antidoto musicale al malessere che si impossessa del “tarantato” a causa del morso della taranta, il ragno nero presente nei campi aridi e pronto a colpire il piede scalzo dei lavoranti.

E la presenza del tarantismo, e il rito liberatorio e il pellegrinaggio al Santuario di Galatina nel giorno di S.Paolo, sono eventi rituali vicini e presenti che influenzano tutta la musica etnica salentina, anche quella che, veicolata da gruppi e musicisti di estrazione urbana, si riferisce alla tarantella come danza liberatoria da un’ansia e da un malessere diverso, più cittadino e contemporaneo. I grandi appuntamenti annuali di raduno dei gruppi salentini, le nottate estive di non-stop taranta, come la notte di ferragosto a Torre Paduli, sono frequentate da migliaia di giovani che partecipano e ballano, e alimentano l’attività di decine e decine di gruppi musicali, che nella provincia di Lecce, ma anche a Brindisi e a Taranto interpretano in vario modo il modello arcaico, con diverse gradazioni di fedeltà alle origini e di contaminazione. In ogni caso resta il tamburello lo strumento principale di questa musica, e poi il violino e l’armonica che realizzano le melodie ossessive e ipnotiche, e le voci che incitano al ballo in un inconfondibile stile salentino che fa capo ai grandi maestri della tradizione.

GALLERIA FOTOGRAFICA

TARàN – Movimento Circolare

coreografie: Maristella Martella
live video set: Andrea Bernabini
scene: Francesca Turrisi
audio live set: Gabriele Bombardini

TARàN SOLO

Coreografie: Katina Genero
Musiche: Nidi d’Arac
Voce: Ippolito Chiarello
Testi: ‘l mal dè fiori poema di Carmelo Bene

FURIE E FAUNI

Furie e Fauni danzano la bellezza a ritmo di Taranta.
I danzatori presentano quadri plastici ispirati all’iconografia mitologica greca e romana, dando vita alle antiche figurazioni testimoniate dai frontoni e dai fregi dei templi. Lo spettacolo è realizzato in luoghi antichi come anfiteatri, teatri greci e romani, siti archeologici.
In questi luoghi gli interpreti diventano veri “quadri viventi” e reincarnazioni dei personaggi del teatro antico. Le loro danze di corteggiamento, di lotta, di euforia, di trance, i loro strumenti, le loro facce rendono vive e presenti le figure danzanti di Satiri, Menadi e Baccanti.
Lo spettacolo si ispira alle ricerche sul Tarantismo e sulla Trance del grande studioso e interprete Antonio Infantino.

con: Silvia De Ronzo, Simona de Sanctis, Manuela Rorro, Riccardo Cazzato, Corrado Martella, Antonella Prontera, Maristella Martella e con: Gilles Coullet

TARANTaGNAWA

live video set: Andrea Bernabini

scene: Francesca Turrisi

audio live set: Gabriele Bombardini

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BIOGRAFIA

Per secoli lo “Junno” fu il cuore pulsante di Monte Sant’Angelo con le sue case a schiera, i balconi fioriti, le tipiche piazzette ed i crocicchi. Qui la vita si svolse in tutte le sue forme più significative e caratteristiche: serenate sotto i balconi, bettole improvvisate e caserecce per allegre comitive, avvenimenti familiari gioiosi e luttuosi, falò nelle vigilie di festa attorno ai quali si cantava, si ballava e banchettava allegramente.

Oggi questo quartiere, ridotto come numero di abitanti, conserva ancora intatta la sua caratteristica architettonica e topografica e fra queste vecchie case vive ancora qualcuno dei “montanari” più autentici ed attaccati alle proprie antiche tradizioni.

Per questo motivo, circa cinque anni addietro, un gruppo di giovani, progettando di percorrere nuove strade nel campo della musica popolare, ha cominciato a svolgere un’intensa attività di studi e ricerche partendo proprio dal luogo più tipico e tradizionale della città.

Interrogando gli ultimi abitanti dello “Junno”, studiando le loro abitudini e persino le vecchie case nelle quali essi abitano con i mobili e le masserizie, sono riusciti a riportare alla luce gli schemi ed i dettami più originali e tipici del canto popolare locale: strofe antichissime, imperniate sul canto a tre voci e tarantelle tradizionali sostenute dal suono di antichi strumenti tra i quali – insostituibile – la chitarra battente, vera anima sonora del Gargano.

Il Gruppo, scopre di poter dire validamente la sua anche nel campo dello spettacolo vero e proprio. Riscuote, infatti, un indiscusso successo, anche per la sua capacità di coinvolgere gli spettatori che, da semplici osservatori, diventano attori dei concerti, coinvolti nel ballo dell’ irresistibile e trascinante ritmo della taranta.

Nel 2002 si costituisce in Associazione culturale con lo scopo di custodire, tramandare e diffondere il notevole patrimonio di cultura e musica popolare del Gargano e del Sud Italia, valorizzandone tutti i suoi aspetti,svolgendo una concreta azione di impegno culturale mediante concerti, conferenze, dibattiti, mostre, incisioni, pubblicazioni.

Negli anni successivi il gruppo entra stabilmente nel circuito “Tarantapower” di Eugenio Bennato come uno dei gruppi giovani emergenti dell’intero panorama musicale alternativo. Con tour europei e non, che toccano (oltre a tutte le grandi piazze d’Italia) anche festivals di world music di livello mondiale: Stimmen (Germania), Sfinks (Belgio), El Jem (Tunisia), Marsiglia (Francia), Norimberga (Germania).

Sarà sul mercato a fine Marzo il disco ufficiale del gruppo in co-produzione con “Label – Nut Studio” ed i Bisca; con numerose collaborazioni artistiche (progetto ambizioso che fonde suoni della tradizione del mediterraneo con quelli di sonorità e strumenti elettronici).

E’ in uscita “New Taranta / New Flamenco” con Rione Junno (Italia) e Las Migas (Spagna): progetto discografico europeo con produzione e distribuzione Taranta Power.

E’ gia sul mercato “Me ne vaje”(di Benedetto Vecchio ed M.B.L.) con collaborazioni di Rione Junno, Mimmo Epifani, Gianni Perilli sul tema dell’emigrazione.

GALLERIA FOTOGRAFICA

BIOGRAFIA – it

Trance in percussione di botti, dub lento fluviale e ipnotico, i due suoni si riecheggiano l’un l’altro, i due emisferi della sua musica si congiungono, voci antiche e nuove, anime armoniche che vibrano al suono delle sue emozioni, che Enzo riesce a trasmettere dal palco alla sua gente, alla sua piazza, la grande voce delle cose. Suoni di periferia. Umiltà profonda e profondo orgoglio, coscienza della propria musica e senso di appartenenza ad ogni cosa, alla sua terra sacra, il Sud, e a Dio.

Una rivolta contro la banalità delle “frasi fracassate e dei suoni a fracassa” da hit parade, mettendo in campo l’unica arma possibile: la poesia antica in musica con ciaramella e mandoloncello, percussioni, giri di basso impetuosi e saxophone. «Quando nacqui, una stella danzava», dice così un’eroina di Shakespeare. Solo tornando a Shakespeare ci si può convincere che questo artista, così universale e così particolare, sia forse nato nell’attimo in cui una stella cominciava a danzare. E sul soul express di Enzo, stelle, luci e ombre hanno ballato da sempre. Coreografie, o se volete, mutazioni, “guerra non guerriglia”. Trasformazioni delle circostanze della vita in cose eterne, o che aspirano ad esserlo, tanto per citare Borges. I fiumi della sua musica colgono il tempo della perpetua fuga, in trasparenza, la profondità dei testi, un lento fluire di poesia.

Dal funky nero e napoletano al rài algerino e in blues, musiche dal mondo e per il mondo, la poetica e il ritmo di Avitabile in un concerto di musiche e parole senza fine, armonica e sorda vibrazione, Agon melodico fatto di botti, falci, tini e fiati, in una fusion di suoni inauditi.

I BOTTARI – it

Si racconta che già nel 13° secolo i contadini percuotessero gli attrezzi a disposizione per scacciare gli spiriti maligni da cantine e per propiziare i raccolti nei campi. Il rituale diventava anche funzionale a mostrare la solidità degli attrezzi durante le tradizionali fiere agricole e ad attrarre l’attenzione dei presenti.

Da tradizioni pagane sono state assorbite in occasioni religiose in particolare la festa di Sant’Antonio Abate in cui si rievoca la sua traversata via mare dall’Egitto all’Italia.

Sui carri trainati da buoi si dispongono le pattuglie di giovani che con mazze e bastoni percuotono botti e tini, mentre altri battono falci con bacchette di metallo.

L’esecuzione di ogni pattuglia è diretta a colpi di fischietto da un (Capopattuglia). I modelli ritmici variano, da quelli ossessivi a quelli lenti, da quelli per i morti alla vitalissima tarantella.

BIOGRAPHIE – fr

Biographie:
Comme un nageur, Enzo redécouvre dans l’intimité des traditions populaires anciennes les divinités submergées. Une descente épique aux origines du Pathos jusqu’à la « pastellessa. « Des oeuvres, « pas des produits », qu’ils l’ont distingué des autres grands de la chanson italienne, des modaioli (victimes des modes commerciales) qui se font la guerre sur les ruines de la Musique. Conscience de retourner aux traditions, au dialecte, aux chants et aux dévotions populaires, bribes d’émotions qui ne s’intéressent pas au marché. « Comprendre la musique, ne pas la subir ». Conscience de produire sans angoisses ni paranoïas liées au profit.

Poésie des traditions, élaboration d’un « dialecte cultivé », de `Lu cunto de li cunti’ de Giovan Battista Basile à la lettre de Pline le Jeune à Tacite sur l’éruption du Vésuve de 79 a.JC. , Avitabile est un homme de lettres, dans le plein sens du terme. Plus de cent concerts par an dans le monde entier payent le rythme à une « danse populaire et universelle », à un son décolonisé et influencé par des expressions musicales multiethniques.

Transe de percussion faites de tonneaux, dub lent fluvial et hypnotique, les deux sons se répondent, s’alimentent les uns les autres, les deux hémisphères de sa musique se joignent, voix anciennes et nouvelles, âmes harmoniques qui vibrent au son de ses émotions, qu’Enzo réussit à transmettre depuis la scène à son peuple, à sa terre, la grande voix des choses. Sons de périphérie. Humilité profonde et profond orgueil, conscience de sa propre musique et sens d’appartenance à chaque chose, à sa terre sacrée, le Sud, et à Dieu : une révolte contre la banalité des « phrases fracassées et des sons à fracasse » des hit parades, en mettant en jeu l’unique arme possible : la poésie ancienne en musique avec ciaramella et mandoloncelle, percussions, basse impétueuse et saxophone.

Sur le soul express de Enzo, des étoiles, des lumières et des ombres dansent depuis toujours. Des chorégraphies, ou si vous préférez, des mutations, « la guerre pas la guérilla ». Transformation des circonstances de la vie en choses éternelles, ou qui aspirent à l’être, pour citer Borgès. Les fleuves de sa musique cueillent le temps de la fugue perpétuelle, en transparence, la profondeur des textes, une lente coulée de poésie. Du funk noir et napolitain au Raï algérien et dans le blues, musiques du monde et pour le monde, la poésie et le rythme d’Avitabile dans un concert de musiques et paroles sans fin, harmonie et sourde vibration, Agon mélodique fait de tonneaux, faux, cuves et souffles/cuivres, dans une fusion de sons nouveaux.

I BOTTARI – fr

On raconte qu’au 13ème siècle déjà, les paysans utilisaient comme percussion les outils à leur disposition pour chasser les esprits malins des caves et pour favoriser les récoltes dans les champs. Le rituel devenait même fonctionnel puisqu’il permettait de démontrer la solidité des outils pendant les traditionnelles foires agricoles et d’attirer l’attention des visiteurs.

De traditions païenne, ils ont été absorbés par les fêtes religieuses en particulier celle de Sant’ Antonio Abate où l’on évoque sa traversée de la mer d’Egypte vers l’Italie. Sur les chariots traînés par des bœufs, on dispose des groupes de jeunes qui frappent avec des massues et des bâtons, des tonneaux et cuves, tandis que d’autres battent des faux avec des baguettes de métal. L’exécution de chaque groupe est dirigée à coups de sifflets par un chef de groupe. Les modèles rythmiques varient, obsessionnels ou lents, de ceux dédiés aux défunts à ceux de la tarentelle si pleine de vie.

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BIOGRAFIA

Nel 1994 si diploma in chitarra classica al Conservatorio di Benevento sotto la guida del M° Raimondo Di Sandro, nel 1996 si laurea in Filosofia all’Università di Napoli.

Nel 1997 si esibisce come solista in Lezioni di Tarantella evento spettacolo a cura di Eugenio Bennato svoltosi a Napoli alla ‘Città della Scienza’. In tale occasione entra a far parte del gruppo Musicanova. All’interno diquesta formazione tiene concerti in Europa, Cecoslovacchia, Polonia, Tunisia, Turchia, Marocco e Australia.

Nel 1999 compone ed esegue, insieme a Lilly Greco e Paolo Raffone, la colonna sonora del film Ferdinando e Carolina della regista Lina Wertmuller che gli vale a Tirrenia (PI), il Premio Europeo ‘Massimo Troisi’ per la migliore colonna sonora.

Nello stesso anno viene eletto membro onorario della Accademia Medicea di Firenze per le sue realizzazioni nell’ambito della musica etnica.

Contemporaneamente partecipa a numerosi festival e rassegne tra cui: EMMAS (Etnic Meeting of Music and Arts in Sardinia) di Olbia, circostanza in cui ottiene un riscontro positivo da parte di Peter Gabriel; WOMAD Adelaide (Australia); Festival Interculturale di Grand Junction, Colorado (USA); Lufthansa Festival of Baroque music (London); Festival Oude Muziek – Utrecht (Holland); Musiques Vagabondes de Loire – Atlantique, Ancenìs (France).

Nel 2000 entra a far parte dell’ensemble di musica barocca Arpeggiata diretto da Christina Pluhar. All’interno di questa formazione incide tre cd per l’etichetta francese Alpha e partecipa ai più importanti festival di musica antica in Europa.

Nel 2005 è chiamato da Roberto De Simone a suonare la chitarra battente nell’opera Socrate Immaginario di Giovanni Paisiello (regia e revisione musicale di R. De Simone) rappresentata nel mese di settembre al Teatro di San Carlo a Napoli.

COLLABORAZIONI

Pape Kanoute;

NCCP;

Gesuino Deiana;

Alfio Antico;

Carlo D’angiò;

Pietra Montecorvino;

Lucilla Galeazzi;

Christina Pluhar;

EugenioBennato/Musicanova;

Daniele Sepe,

Gianluigi Trovesi,

Roberto De Simone.

LA CHITARRA BATTENTE

La chitarra battente è nata e si è diffusa in Italia a cavallo tra il XVI e il XVII secolo. Il suo nome le deriva dalla tecnica con cui è suonata. A quell’epoca gli strumenti a corda potevano essere a pizzico oppure a “botte”, la botta era quella che oggi siamo soliti definire “pennata”. La chitarra battente appartiene alla seconda categoria, veniva suonata esclusivamente a botte, la mano sinistra si limitava alle posizioni degli accordi e di conseguenza produceva un suono “battente”. Alla prima categoria appartenevano invece strumenti quali il liuto, la tiorba, la chitarra barocca (molto simile alla battente) ecc. considerati più difficili, la cui letteratura era più ricca e la cui tecnica più complessa. La chitarra battente dunque era considerata uno strumento “facile” ovvero alla portata di tutti, musicisti e non. Potremmo dire che essa rivestiva lo stesso ruolo che riveste oggi la chitarra acustica (anche se le sue caratteristiche, come abbiamo visto, sono molto differenti): era al di fuori dei circuiti per così dire “istituzionali”, delle accademie, dei conservatori, ed era utilizzata soprattutto come accompagnamento al canto.

Ma ogni strumento è facile se lo si adopera per eseguire una musica facile. Tuttavia, ciò ha consentito alla chitarra battente di diffondersi rapidamente nell’universo “popolare”, di rimanere in vita e attraverso questo di giungere fino a noi (mentre una diversa sorte è toccata agli strumenti sopra menzionati). Oggi la chitarra battente si trova però, a dover riemergere da un destino di quasi totale emarginazione. Inoltre la diffusione della musica popolare, passata troppo spesso attraverso i meccanismi dell’industria turistica, ha ignorato la sua importanza musicale e ne ha amputato il suo reale valore artistico. Grazie ai contributi dei grandi maestri della tradizione (Andrea Sacco di Carpino – FG, Carmine Arturi di Corigliano Calabro), di musicisti attuali come Eugenio Bennato, Pino Daniele, Antonello Ricci e del sottoscritto, la tecnica della chitarra battente si è evoluta al punto da poter essere considerato oggi uno strumento solista dalle straordinarie possibilità espressive e dal forte potere carismatico.

Durante i miei concerti ho potuto constatare il forte interesse che suscita questo strumento specialmente tra i giovani e ritengo che il suo studio possa generare nuove ed interessanti prospettive sia per quanto riguarda la composizione musicale sia per la tecnica strumentale.

Per troppo tempo i musicisti hanno dimenticato la chitarra battente considerandola arcaica e popolare in senso spesso dispregiativo. Tuttavia esso ha continuato a vivere nella memoria collettiva delle classi contadine e quindi nella produzione degli artigiani. Adesso l’interesse si sta risvegliando grazie all’opera di alcuni musicisti che hanno imperniato la loro attività su questo strumento.

Come ha rilevato giustamente il mio amico Ciro Caliendo autore di un bellissimo saggio sulla chitarra battente (La chitarra battente – Edizioni Aspasia), ” non è corretto dal punto di vista metodologico sostenere una differenziazione netta tra lo strumento popolare e lo strumento colto, non è neppure giusto, partendo dalle caratteristiche strutturali dello strumento, definirlo popolare se su di esso non si esegue un repertorio particolarmente impegnativo, comunemente definito ‘classico’”. Provate ad immaginare come verrebbero considerate oggi la chitarra classica, la chitarra flamenca, la chitarra elettrica se non fossero passate per le mani dei grandi musicisti che ne hanno fatto la storia.

In conclusione si può asserire che la chitarra battente merita nella storia degli strumenti musicali una considerazione maggiore di quanto non ha avuto finora. Pur ritenendo che si sappia poco di questo strumento, non possiamo né ignorare quanto si sa, né continuare ad avvallare erronee informazioni sulla sua origine, sul suo utilizzo e sulla sua storia.

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BIOGRAFIA

La tarantella del Gargano è caratterizzata da melodie raffinatissime e da testi di grande forza poetica che s’innestano sulla sonorità della chitarra battente, strumento capace di evocare i magici scenari del passato e di scandire ritmi che rimandano alla grande vocazione contemporanea della musica etnica.

Su quel modello un’inesauribile schiera di musicisti e appassionati iniziarono a interpretare quei brani e nel frattempo i giovani di Carpino stessi, cioè i legittimi depositari di questo genere musicale, presero ad interessarsi della loro tradizione, rivolgendosi ai vecchi straordinari maestri.

Intorno agli anziani Antonio Piccinino e Maccarone Antonio, si raduna un gruppo di giovani diretti da Nicola Gentile.

Nasce il gruppo dei Cantori di Carpino formato dai tre maestri e dai cinque giovanissimi che l’accompagnano, un “ensemble generazionale” che da vita ad uno straordinario concerto di musica etnica di valore internazionale e che testimonia il portentoso salto di generazioni che questa musica riesce a compiere. Una musica ancestrale che si offre al nuovo millennio come forma purissima, antica e dinamica.

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